Por Felipe Rodríguez.

Prolífico instrumentista, cantautor, compositor y director del sello Cápsula Records, con el cual ha desarrollado la veta de productor en álbumes de Natisú, Florencia Lira y Juan Mateo O´Brien, entre otros. Hizo su debut como solista con El movimiento en 2009; un disco acústico en donde resalta la guitarra melancólica y una atmosfera introspectiva acompañada por violines e instrumentos de vientos que contó con la colaboración de Leo Quinteros (Alamedas) en la producción. Son 13 canciones que exploran el espacio emocional e interno de su autor.

Por Felipe Rodríguez.

Tres largaduración y tres EP resumen el legado discográfico de este proyecto musical que engloba electrónica, post rock, krautrock y pop con la poesía y el ruido. Esto último, si lo pudiésemos llamar como ruidismo, es un rasgo esencial y funcional en este viaje que explora efectos, fragmentos siderales o paisajes sonoros elaborados a modo de retazos que se van entrelazando entre sintetizadores. Una especie de collage rítmico que a través de la experimentación recrea atmosferas en canciones que también pueden ir del indie al shoegaze.          

Liderado por Enrique Elgueta, Maifersoni ha operado en solitario y también como banda; haciendo su debut en 2010 con Telar Deslizante, un álbum del sello Michita Rex, que en 12 canciones expresa un sonido noise, folk y de dream pop que se entrecruza con la psicodelia.     

Por Felipe Rodríguez.

La influencia del grunge y el stoner están fuertemente enlazados con en el rock garage de esta agrupación que acumula ocho álbumes, entre discos de estudios, compilaciones, en vivo y un trabajo en conjunto con los también nacionales Hielo Negro.

Por Felipe Rodríguez.

Canciones inolvidables, éxitos festivaleros y múltiples reconocimientos, forman parte de la dilatada carrera musical de este cantautor que incursiona en la trova y la balada, destacando, entre otros logros, por contar con más de una docena de discos reflejados en cinco décadas de trayectoria.

Su discografía inicia en 1978 con un álbum homónimo, editado por RCA Víctor, que contiene algunos de sus mayores éxitos, como El tiempo en las bastillas, Un café para Platón, Un velero en la botella y Ana Ariki. Después llegan los largaduración Ubiergo (1979); Pasajero de la luz (1981); Canto por ti (1982); A Chabuca (1983) en homenaje a la artista, cantautora, guionista cinematográfica y dramaturga peruana, entre otros, Chabuca Granda; En algún lugar del mundo (1984); Tarde o temprano (1987); Relatos (1991); Los Ojos del Mar (1999); La sombra del águila (2003); La vida es (2024); además de álbumes en vivo, como Ubiergo en vivo (1978) y Acústico (2001), por nombrar algunos, éste último cuenta con una versión bluesera de El tiempo en las bastillas y la colaboración de Claudio Valenzuela de Lucybell para el canto a dúo de Agualuna. También aparece un minidisco conceptual con el nombre de Al Principito (1979), basado en la obra principal del escritor francés Antoine de Saint-Exupéry. 

Fernando Ubiergo nació en Valparaíso en 1953 y siendo pequeño se trasladó a Santiago para estudiar en el colegio Darío Salas. Cursó estudios de sociología y periodismo en la Universidad de Chile que fueron interrumpidos por la llegada de la dictadura militar y su posterior intervención en dicha casa de estudios, cerrando ambas escuelas.

Sus inicios están marcados por la temprana fama tras ganar en noviembre de 1977 el Festival de la Primavera con Un café para Platón, que posteriormente se convertiría en uno de sus mayores éxitos al ser grabado y editado como single por el sello IRT. A su vez, dicho certamen fue transmitido para todo el país por Televisión Nacional, proporcionándole al joven cantautor una amplia notoriedad que fue creciendo en los meses venideros. 

Así, en 1978 obtuvo el primer lugar en la XIX edición del Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar con el tema Guarda el tiempo en las bastillas. El inicio de la televisión en colores en Chile coincidió con la popularidad del porteño, quien rápidamente desató fanatismo inundando portadas de revistas y alcanzando prestigio radial.

La veta triunfal siguió creciendo con varias presentaciones por el país y la publicación de un disco en vivo que contiene Cuando agosto era 21, una canción que dos radios de la época se negaron a pasar por tratar una historia de un aborto y que años más tarde implicó una acusación de plagio en contra del grupo de rock español Mago de Oz que finalmente se resolvió en un acuerdo extrajudicial.

A pesar de que no tuvo participación en el movimiento del Canto Nuevo y a evitar referirse a asuntos políticos en sus letras, la censura también impactó su carrera musical, cuando en 1979 el sello RCA Víctor que editara su tercera placa titulada Ubiergo, limitara su circulación con a penas mil copias, debido a que el cantautor incluyó dos canciones de Silvio Rodríguez -Canción del elegido y La era está pariendo un corazón- y una de Víctor Jara -Te recuerdo, Amanda-, hecho que derivó en su renuncia a la casa discográfica, sumado a represalias en su contra, como ataques a su automóvil, influyeron en la decisión del compositor de pausar brevemente su trabajo, hasta su vuelta a los escenarios en la competencia del Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar en 1981, con Pasajero de la luz, canción en homenaje a John Lenon -que contó con los arreglos y dirección del destacado músico nacional Francisco Pancho Aranda- que obtuvo el segundo lugar y le dio el título, posteriormente, a su siguiente largaduración.

Su despegue internacional comenzó un año más tarde en tierras ibéricas, cuando alcanzó el primer lugar en XXIII Festival Internacional de la Canción de Benidorm con el tema Yo pienso en ti. Su paso por España, además, estuvo acompañado por la grabación de tres álbumes con el sello local Hispavox. Asimismo, en noviembre de 1984 ganó el XIII Festival OTI de la Canción, celebrado en el Auditorio Nacional de Ciudad de México, con el tema Agualuna, también arreglado por Aranda.

Hacia fines de los ’80 y después de giras por América, regresa a Chile y edita dos nuevas placas con Emi Odeón, Tarde o temprano en 1987 y Relatos en 1991, que, aunque tuvieron buena crítica, no lograron la repercusión mediática esperada ni tampoco un buen nivel de ventas.

Los años noventa lo vieron de vuelta en los escenarios masivos, cuando retorna a la Quinta Vergara para presentarse por tercera ocasión en la competencia del evento viñamarino con el tema Diosa del sur, con el cual obtiene el premio a mejor intérprete. Luego llega un prolongado silencio y alejado de la prensa y el público en su nueva residencia en el litoral central, reaparece en 1999 con un nuevo álbum, Los ojos del mar.

Así avanzó el tiempo y ya entrando en la década de los 2000, alterna su trabajo discográfico con su labor en la SCD, institución de la cual fue presidente en 2004, tras el fallecimiento de Luis Advis. En 2009 vuelve al festival de Viña para la celebración del aniversario 50 del certamen, en donde brinda un show en compañía de la agrupación Difuntos Correa y el público lo premia con antorchas y gaviota de plata y oro, rememorando, de esta manera, el elevado reconocimiento que otrora le otorgara éxito. Su canción El tiempo en las bastillas pasa a ser reversionada por destacados músicos, entre los cuales asoma la versión de los mismos Difuntos Correa que fue usada como el tema de apertura de la serie televisiva Los 80, transmitida por Canal 13 y otras a cargo de Francisca Valenzuela, Camila Moreno, Macha Asenjo, Manuel García o Los Miserables.

En 2015 se presenta en el teatro Baquedano para conmemorar sus 40 años de trayectoria con un concierto que sobrepasó las tres horas. Al año siguiente realiza una gira por Chile que tiene dos actuaciones preponderantes en el Teatro Nescafé de las Artes en la comuna capitalina de Providencia, presentando canciones inéditas en un espectáculo que también duró más de 180 minutos.    

Este año, Fernando Ubiergo, recibió el premio Figura Fundamental de Música Chilena, el galardón más importante de la música popular en nuestro país, que fue otorgado por la Sociedad Chilena de Autores e Intérpretes Musicales (SCD) a través de su actual presidente Rodrigo Osorio -vocalista de Sinergia-. El evento contó con la presencia, entre otras celebridades y músicos, de la ministra de las Artes, la Cultura y el Patrimonio, Carolina Arredondo, la participación de Ana Tijoux, presentando en vivo una nueva versión de Cuando agosto era 21 y los estrenos del microdocumental Las cosas que no son de Dios, que repasa la obra del trovador y el videoclip Un café para Paltón en una reversión de Javiera Parra.   

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Por Felipe Rodríguez.

El popular cuento de Edgar Allan Poe, Los crímenes de la calle Morgue, fue la fuente de inspiración para dar el nombre a esta agrupación santiaguina formada a mediados de los ’90.

Con una base de blues y pop, intensidad vocal, predominio de teclados y guitarras e incluso, incorporando la balada a su repertorio musical, el conjunto irrumpió en la escena local con un temprano éxito que los llevó a una amplia difusión radial y a una alta exposición mediática. 

Letras de amor y alusiones literarias fueron las características principales de las canciones de la banda ñuñoína integrada por Francisco Valenzuela (guitarra y voz), Michel Maluje (teclados), Javier Chamas (bajo), Javier Rodríguez (batería) y Federico Dannemann, que en 1997 logran su primer álbum, tras enviar los demos autoproducidos al sello Sony Music. De esta manera se lanza al mercado discográfico la placa homónima que en 14 temas llevaría a La Rue Morgue a transformarse en un fenómeno musical de proporciones mayores. Esas canciones oreja, principalmente, sus dos sencillos Blues para dos mujeres y Sigues dando vueltas, rápidamente se convirtieron en hits radiales y televisivos. La primera hace referencia a la cantante estadounidense Tori Amos y a la Maga de Rayuela de Julio Cortázar, mientras que la segunda es una balada melancólica que recorre con tristeza la pérdida y nostalgia de un amor pasado.  

Las temáticas románticas y sencillas calaron hondo en los jóvenes de la época y ese primer largaduración obtuvo disco de oro luego de sobrepasar las 23 mil copias vendidas, generándole varias presentaciones en vivo a la agrupación que los llevó a telonear a B.B. King en 1997.

Dos años después, editan su segundo trabajo discográfico llamado Kaleidoscopio, que no alcanzó a vender más de 5 mil copias e implicó el inició del declive en la carrera de la banda, disminuyendo en difusión, conciertos y baja promoción en radios, sumado al ascenso de la piratería en el mercado musical, provocaron la salida de La Rue Morgue de Sony en 1999.

En 2001 se integra Andrés Pérez Lecaros en reemplazo de Maluje y se anuncia un nuevo álbum de la mano del productor argentino Alejo Stivel -vocalista de la banda española de rockblues Tequila-, quien había trabajado con Joaquín Sabina y La Oreja de Van Gogh, pero la demora y los desacuerdos con el sello, hicieron que el disco quedara inconcluso hasta 2004, cuando la misma agrupación regaló la placa a través del portal de internet Terra. Sin embargo, en 2005, la casa discográfica La Oreja lo editó. Así sumaron algunas pocas presentaciones más y su vocalista debutaría como solista en 2009 con Sirenas, volviendo a poner en la palestra a la banda, usando su nombre para actuaciones que tuvo en 2017, pero acompañado por músicos de la Escuela Moderna. Francisco Valenzuela fallecería en 2022 tras ser internado en el hospital Luis Tisné de Peñalolén a causa de un infarto cerebral.

La Rue Morgue fue parte de una camada de agrupaciones que surgieron a fines del siglo pasado y que tuvo su epítome en 1995 con el Proyecto del Nuevo Rock Nacional, impulsado por el ex manager de Los Prisioneros, Carlos Fonseca, quien por ese entonces era Director Artístico del sello EMI. Los Tetas, Lucybell, Machuca, Pánico, se sumaron a La Ley y Los Tres, que ya contaban con una carrera ascendente, junto a la apuesta de Alerce con proyectos musicales diversos, como La Pozze Latina, Los Morton, La Floripondio, Panteras Negras, Los Miserables y a la publicación de Peor es mascar lauchas de Chancho en Piedra ese mismo ‘95. La lista suma y sigue en los años venideros con Tiro de Gracia, Solar, Makiza o el debut discográfico de Carlos Cabezas -Electrodomésticos- como solista.

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Por Felipe Rodríguez.

Comenzaron siendo un power-trío cuando Pablo Rogers en el bajo, José Linazasoro en batería, quienes luego de conocerse en la universidad y tras presenciar una actuación de Yajaira, decidieron reclutar al guitarrista Andrés Astaburuaga para formar la agrupación. Luego llegaría la segunda guitarra de Rodrigo Astaburuaga y Nicolás Rubio para aportar con la voz y armónica, junto con hacerse cargo de las letras cuyas temáticas ahondan en historias íntimas y experiencias de amor.

El nombre de la banda surgió de un hecho tan fortuito como desafortunado, después de que tres de sus integrantes sufrieron el choque de un camión, mientras ellos se dirigían en auto rumbo a un ensayo previo a lo que iba a ser su debut en vivo. El vehículo de carga los impactó en una esquina y el baterista resultó con fisuras en una de sus vértebras. Cuando estaban en la sala de espera de la clínica se les ocurrió la idea de llamar al grupo como Camión. 

Tras meses de ocurrido el accidente, el conjunto teloneó a Ramires! en la Taberna del Nono. Al año siguiente, en 2004, lanzaron su primer álbum con Algo Records, casa discográfica que les facilitó el living para que la banda la ocupara como estudio de grabación. El resultado fue un disco de diez canciones que muestran un rock garage y un sonido sucio que oscila entre el rock, blues y el grunge.

Luego de presentaciones en Santiago, Chillán, Concepción y Buenos Aires, editaron su segunda placa en 2006, Subsuelo, que con 11 canciones le inyectaron más gasolina a su sonido con riffs de guitarra, sumado a la estridencia del grunge que los caracteriza. Mención honrosa para 1993, tema que abre el álbum, Tan Cerca, el tercer track, el quinto Lejos de Aquí o el noveno titulado Dime si valió la pena, que hacen recordar al sonido de Soundgarden o Pearl Jam. También destaca el tema acústico Nuestro que incluye la armónica de Rubio y la guitarra de doce cuerdas de Rodrigo Astaburuaga, junto con Hambre y Sed, en donde vuelve a aparecer la armónica; ambas canciones se asemejan en su sonoridad a Alice in Chains y Eddie Vedder.

Después de Subsuelo, los hermanos Astaburuaga dejaron la banda para migrar a Francia y con el paso de los años Camión fue perdiendo continuidad hasta que en 2014 publicaron su tercera placa Niebla, un álbum compuesto por nueve temas más atmosféricos que dejan una sensación de nostalgia, de intimidad reflexiva y un sonido más lúgubre que oscure la experiencia auditiva, casi como si se tratase de un paisaje sonoro cubierto por la niebla.

Las intermitencias y las pausas se repitieron en el grupo hasta que en 2019 lanzaron Duna, su cuarta producción discográfica grabada en los estudios Lautaro y masterizado por Jack Endino -productor estadounidense y colaborador de bandas como Nirvana, Soundgarden o Mudhoney-.   

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Por Felipe Rodríguez.

                De Talking Heads a Boy George, pasando por la música jamaiquina y el animé. Esas son algunas de las influencias de este cuarteto santiaguino formado en 2014. Con Fanny León (voz y sentetizador), Carlos Fariña (guitarra y sintetizador), Gonzalo Gutiérrez (batería) y Cristóbal Loader (bajo) en su formación original, han desarrollado una carrera que ha alcanzado un amplio reconocimiento no sólo en Chile.

Revitalizando el pop ochentero, Playa Gótica ha logrado fusionar el rock, new wave, post punk, funk y dream pop con el hardcore punk, cautivando al público con una sonoridad bailable y electrizante.

Los primeros trabajos musicales comenzaron en 2016 cuando integraron el compilado de indie pop nacional del sello Demony, NMC. Pop de guitarras en Chile, compartiendo el tracklist con otras bandas como Patio Solar, Niños del Cerro, Paracaidistas, Trementina, entre otros. Ese mismo año, junto a Denver, lanzan un EP en vinilo de 7” con una edición limitada de 50 copias por el sello Umami -fundado por los mismos Denver-, donde aparecen con el single Fuego.  

A mediados de 2017 y después de haberse presentado en Ruidosa Fest en marzo de ese año, llega su primer álbum; un largaduración de 17 canciones que se transformó tempranamente en todo un acontecimiento para la escena local. Editado por el sello Umami y producido por Milton Mahan del dúo Denver, el disco lleva el nombre de un vocablo japonés que significa muñeco de peluche; un acrónimo que expresa la tendencia nipona de tejer pequeños muñecos que replican objetos, animales, plantas, etc. Una práctica de la cultura kawaii -palabra que se puede traducir como tierno- que permite crear personajes e imitar creativamente la realidad con sus técnicas del croché o ganchillo. Así, Amigurumi es el título de esta placa que logró asombrar al público tras ser ubicado por la famosa revista musical Rolling Stone dentro de los mejores diez lanzamientos de la temporada. Como dato no menor, para la grabación de este LP se produjo el reemplazo de Gonzalo Gutiérrez por Andrés Ugarte en batería.

El rock bailable y el pop psicodélico o viceversa se extienden a lo largo de los 17 temas que componen una pieza musical intensa, refrescante, ruidosa, energizante y con una cuota ecléctica que reúne las diversas referencias a bandas y artistas ochenteros. En este trabajo discográfico se incluye los sencillos Reptil no gentil, que había sido lanzado previamente en la feria Celadores de Matucana 100 en 2015, y Fuego que es una de las canciones del disco que cuenta con videoclip, al igual que Pigman, La Pasajera y Extraños Visitantes.

Si hay un año significativo para esta agrupación, ese fue en 2018, donde lograron mayor reconocimiento mediático y de audiencia, realizando varias giras nacionales, llagando a telonear -junto a Adelaida-, a los californianos Wavves, además de tocar en el Riudo Fest de Chicago y ganar dos Premios Pulsar como Artistas Revelación y Álbum del año por Amigurumi.    

Luego de ser parte del line-up de Lollapalooza Chile en 2019, tuvieron un receso de dos años hasta que editan en 2023 un EP titulado CADABRA y tras otro breve descanso, retoman su trabajo en 2024, integrando a la banda al guitarrista Adán Fresar, quien antes ya había compartido con Fanny León en su placa solista Fan Lee.  

Las sonoridades juveniles y alegres, junto a los cambios de ritmos, a veces más veloces e intensos y otras veces menos, forman la identidad de Playa Gótica cuyo trabajo sigue siendo parte importante de las nuevas camadas del tan destacado pop nacional.

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Por Felipe Rodríguez.

Tras su participación en proyectos musicales como Hermanos Brothers, Tropiflaite, ser productor y principal compositor en CHC y visitar México para promocionar La cosa, álbum de CHC, Pedro Subercaseaux lanza en 2009 su primer disco con el pseudónimo de Pedropiedra. A cargo del ya desparecido sello Oveja Negra y luego de un proceso de extenso trabajo en su estadía en tierras aztecas, nace este largaduración de 13 canciones que fue presentado ese mismo año en la sala SCD de Bellavista y en Bar Loreto. 

El disco fue financiado por el guitarrista y cantante de Sin Bandera, Leonel García, quien además ofreció su estudio para que Pedro pudiese trabajar en la grabación de sus canciones. El mexicano grabó voces para la canción Cuarto oscuro y Subercaseaux participó en una canción del primer álbum del ex Sin Bandera, titulado León Polar.

La metrópolis del DF fue transcendental para el artista nacional, ya que entre 2007 y 2008, pleno período creativo de su placa debut, se alojó en el departamento de Jorge González, quien colaboró en los coros de Si somos salvajes -quinto tema- y compartió con Los Bunkers.  

La temática de sus letras rememora la vida de su compositor, teniendo un componente biográfico. Su estilo es amplio y prolífico, pasando por el rock, pop, funk y ritmos tropicales que se expresan en pistas electrónicas, voces, teclados y batería, dando vida a una pieza multiintrumentista. Destacan el single Inteligencia dormida, que contó con videoclip y narra parte de su vida escolar; Obrero mundial, que cuenta la historia de un proletario sometido a la explotación laboral sin horizonte, sin sueños, despolitizado, desconfiado del presente y sumergido en la rutina diaria del trabajo alienante: “…y ahora tu cuello está entre el suelo y una bota de cowboy, juntas pepitas de oro para pagar la soga con la que te amarraron, a ti, a ti, a ser la víctima de los descuidos, de un Dios que no es, amamantado a puro veneno…”, reza hacia el final de la canción.

Por otra parte, Ayayay -pista 10 de la placa- fue parte de la banda sonora de la película chilena de Sebastián Silva, La Nana, y estuvo nominada a un premio Óscar en la categoría Mejor Canción Original. Pedropiedra ya había colaborado con el director de cine nacional Silva, cuando hizo música para su película La vida me mata y, además, ambos ya habían trabajado juntos en grupos como CHC y Yaia.     

El álbum contó con una reedición en 2015 por el sello Quemasucabeza, incluye tres bonus track en versiones demos para las canciones Si somos salvajes, Historias de terror e Inteligencia dormida y fue presentado en enero de ese año en el Centro Cultural Amanda.

Fuente imagen: https://www.discogs.com/

Por Felipe Rodríguez.

                La canción cebolla chilena tuvo un nuevo aire gracias a este dúo que se ha movido entre Europa y nuestro país. Así, el vocalista de Philipina Bitch, Sebastián Orellana y el renombrado batero Iván Molina -ex Emociones Clandestinas, Matorral y Santos Dumont-, iniciaron este proyecto musical que cultiva raíces en el punkrock, rockabilly, bolero y un blues latino que asoma entre letras melancólicas y nostálgicas. Es que el dolor y los malos amores, esos fallidos y que entristecen el alma, son las temáticas que naufragan por sus canciones.

Se forman en 2011 y debutan en los escenarios en septiembre de ese año en el Bar La Cantera de Valparaíso. También editan su primer EP titulado La Bestia, que junto a Congo Zandor, su primer lagaduración, muestran un blues garage y un rockabilly que roza el proto punk de bandas emblemas del género como los peruanos Saikos. Ambos discos fueron producidos por Algo Records, sello rockero chileno, fundado por los hermanos Alejandro y Álvaro Gómez -también conocidos por su banda rocanrolera Perrosky- y que desde 2002 hacen ruido con un amplio catálogo que ha sido clave para impulsar sonidos retros en la escena nacional. Magaly Fields, Guiso, Yajaira, Matías Cena o los mismos Perrosky, entre otros, integran la lista de esta casa discográfica.

                La estética cincuentera de La Big Rabia continúo vigente y es así como en 2013 irrumpen con El EP de María!, un EP de cinco canciones, también por Algo Records, que incluye la canción Oh María de Congo Zandor y cuatro covers de algunas de sus influencias, como Cecilia en Dilo Calladito, Los Saikos con El entierro de los gatos, Sinceridad de Ricardo Cocciante y Atmósfera Pesada de Sandro. Al año siguiente lanzan Leche & Mierda, segundo LP que contiene 12 temas y de edición independiente a cargo de Furtivo Records. Ese mismo 2014, se presentan en el Primavera Sound de Barcelona y en 2016 vuelven al trabajo discográfico con Algo Records para publicar su tercer largaduración. Un álbum homónimo con nueve tracks melancólicos que conservan el sello melodramático y lúgubre con olor a llanto y decepción. Producido por Pedro de Dios Barceló -voz y guitarra del grupo español de blues Guadalupe Plata-, el carácter del blues bolero sigue predominando en varias pistas que brillan por sí solas; tal es el caso de Blues Malo, Quiero Paz, Vete ya o Dime, ésta última abre el disco.   

Durante este período comienzan una gira por España con fechas en Cádiz, Málaga y Sevilla, donde finalmente se establecen en la ciudad andaluza para seguir trabajando en nuevos conciertos y grabaciones. Es así como llega Boda Negra, su más reciente producción discográfica del sello Happy Place que cuenta con 9 canciones embriagadas por el bolero y la reminiscencia a bandas claves del género de la canción romántica o cebolla, como Los Ángeles Negros o Los Golpes, dos referentes indispensables para La Big Rabia.

Fuente imagen: https://www.mondosonoro.com/

Por Felipe Rodríguez.

Primer largaduración de Daniel Riveros, más conocido como Gepe, quien alcanzó rápidamente notoriedad con esta placa de 13 canciones que experimenta un pop electrónico con ritmos andinos y guitarras ligeras. Editado por el sello Quemasucabeza en 2005 irrumpe en la escena con melodías creativas y acústicas reunidas en tonadas y cuecas cuyos arreglos evocan el post rock. Un folklor audaz y fresco que nos entrega el ex Taller Dejao para renovar la tradición folclórica.

                La experiencia sonora de Gepinto es variada y, así como remite a Violeta Parra en La enfermedad de los ojos -canción inaugural del disco-, con una singular melodía acompañada con una percusión increscendo; en el segundo track, Nunca Mucho, el viaje es a través de una atmósfera espacial y minimalista. Las bases electrónicas se repiten en modo post rock en Sal -cuarto tema- y los charangos y la guitarra acústica se lucen la tercera canción, Multiplicación; misma música raíz que se recupera en Namás, el quinto track. También hay momentos nostálgicos, como ocurre en Los Trapenses, una trova donde destacan la percusión, los arreglos de guitarra y el canto de pájaros que acompañan de fondo. Nihilo, es otra canción interesante por sus voces terroríficas y el ambiente sónico y minimalista de sus teclados. Además, el álbum cuenta con la balada en Los Barcos, dando como resultado una exquisita composición de guitarra acústica y voz melancólica.    

De esta manera, Gepinto se va desarrollando como un largaduración que engloba lo múltiple, por medio de su polifonía fecunda que va creciendo como un árbol cuyas raíces se nutren de distintas mixturas sonoras. Un trabajo que también se expresa en la mirada perdida y atenta, intrigante, pero con gesto difícil de traducir de la niña oriental que aparece en su portada; una representación que reúne lo diverso con rostro titubeante entre tristeza y alegría.

Pero al reflexionar sobre esta producción discográfica, aparecen nombres como la ya mencionada Violeta Parra, Gabriela Pizarro o Margot Loyola -quien años más tarde fue homenajeada por Gepe en su placa Folklor imaginario-, elementos del folclor más profundo, las raíces de nuestra música, con un lenguaje criollo, chileno, que rescata el acento, el tono de las palabras desenvueltas que son tan locales en su uso y simpleza, pero tan universales en su comprensión y hondas en sus sentimientos, expresando así la complejidad de un estado emocional, tal como sucede en La enfermedad de los ojos, en donde la metáfora es empleada para graficar la pena y desconsuelo. Una enfermedad que “pilla por sorpresa”, tal como afirma su letra; “no se sabe de repente, que la vida se hace tiras, cuando menos se lo piense”, cierran la tercera y quinta estrofas. “La enfermedad de los ojos tiene estresa´ó a cualquiera, le cambia mucho el gusto, por lo que de bien se quiera, si a los ojos les pregunto, me responderán cantando, le cambia mucho el gusto por lo que de bien se quiera”, termina más adelante.    

Más allá de la nostalgia, Gepinto refresca el folclor, lo reactualiza por medio de la renovación sin restarle intensidad ni solemnidad a una música que nos vincula con nuestra historia. Se resiste a clasificaciones de géneros y épocas, porque es un álbum transversal y atemporal, ni antiguo ni nuevo ni de covers y menos agónico. Charangos, valses, guitarras, tonadas y cuecas se entrelazan con el pop y lo electroacústico para explorar ritmos rejuvenecidos del norte, el campo y el sur de Chile.

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